Viele fragen mich: Wie fotografiere ich? Für mich beginnt alles mit Entscheidungen: Raum, Licht, Rhythmus, Struktur. Ein Brand‑Shooting ist kein Showmoment, sondern ein Prozess, der Ruhe erzeugt und überflüssiges weglässt. Ein Interview mit mir selber mit den häufigsten Fragen von meinen Kunden an mich.
Wie entsteht bei dir ein Brand‑Shooting?
Ein Brand‑Shooting ist kein Showmoment. Es ist eine Abfolge klarer Entscheidungen: Raum, Licht, Tempo, Bildwelt. Die Ruhe der Motive entsteht nicht durch Zufall, sondern durch Konzentration, Struktur und die Reduktion auf das Wesentliche.
Was siehst du zuerst, wenn du jemanden fotografierst?
Linien, Licht, Abstände. Die Art, wie jemand im Raum steht, wie viel Luft um ihn herum guttut, welche Kante trägt und welche weich bleibt. Erst dann Details: Gesten, Routinen, Tempo.
Wie erkennst du, wofür jemand steht?
An Konstanz und Widerspruch. Was bleibt, wenn man Requisiten weglässt? Welche Entscheidung kehrt immer wieder — in Kleidung, Material, Sprache, Ordnung? Daraus entsteht ein stabiler Kern, den man nicht dekorieren muss. Diese Wahrnehmung bildet den Anfang eines Brand‑Shootings: Ich suche nicht nach einem Ausdruck, sondern nach Struktur.
Was unterscheidet ein Portrait von einem Brand‑Bild in deiner Arbeit?
Ein Portrait zeigt eine Person. Ein Brand‑Bild zeigt eine Position. Der Unterschied liegt nicht im Gesichtsausdruck, sondern in der Absicht: Portraits verdichten eine Person; Brand‑Bilder ordnen eine Marke. Beides entsteht aus denselben Prinzipien — Licht, Raum, Klarheit — aber mit unterschiedlicher Zielsetzung.
Wie führst du Menschen in Portraits?
Ruhig und knapp. Es sind minimale Korrekturen: Achse, Blickpunkt, Standlinie, Abstand zum Raum. Ich gebe Orientierung, aber keinen Ausdruck vor. Ein Portrait funktioniert nicht über Mimik, sondern über Präzision.
Wie entsteht Ausdruck, ohne dass jemand „spielen“ muss?
Durch Ordnung, nicht durch Emotion. Ich strukturiere Raum und Licht, nehme Tempo heraus und sorge für Lesbarkeit. Ein Ausdruck ergibt sich, wenn nichts mehr überlagert: keine Hektik, keine Anweisungsflut, keine Erwartung „etwas darstellen zu müssen“.
Wie bereitest du deine Shootings vor?
Vor dem Shooting kläre ich drei Dinge:
- Worum geht es? Die Kernbotschaft – sachlich, knapp, ohne Claims.
- Wofür werden die Bilder eingesetzt? Seitenverhältnisse, Layout-Bereiche, Platz für Text, Crops.
- Welche Bildwelt passt? Helligkeit, Kontraste, Flächen, Materialien, Grad der Abstraktion.
Am Ende entsteht ein kompaktes Arbeitsblatt, das Orientierung gibt und Unsicherheiten reduziert.
Welche Räume wählst du für deine Shootings?
Möglichst schlichte. Schlicht heißt nicht, unmarkant und auch nicht, dass ein Ort neutral oder austauschbar ist. Es bedeutet, dass er funktional und markentauglich ist. Eine Location, die trägt, ohne sich wichtig zu machen.
Ich mag minimalistische Architektur, Beton, harte Kanten oder Metallflächen. Eine grafische Dichte, die der jeweiligen Marke entspricht.
- Bei „ciaoo SaSa“ war es das Meer, der Wind, helle Horizonte, die Weite, die Luft und sandige Flächen.
- Für eine SAP‑Kundin sind es Bahnhöfe. Linien, Übergänge, Glas, Klarheit und eine urbane Ordnung.
Wie sieht’s mit dem Licht aus?
Licht mag ich präzise, nicht beliebig.
Licht ist das zentrale Werkzeug jeder Bildwelt. Und ja, ich arbeite bewusst auch mit Film‑Noir‑Licht, wenn die Marke es verlangt.
Bei einer Kundin ist das Film‑Noir-Licht kein Stilmittel, sondern eine identitätsstiftende Entscheidung: kantige Schatten, gerichtete Spots, abrupte Übergänge – genau die Spannung, die ihre Marke braucht.
Für andere Brands dagegen arbeite ich weicher, mit mediterraner Helligkeit (ciaoo SaSa), neutralen Flächen, sanftem Streulicht und technischer Präzision.
Licht ist nie Dekoration. Es definiert die Bildabsicht – und entscheidet, was sichtbar wird –Tempo, Orientierung und Vertrauen.
Hast du einen bestimmten Ablauf in deinen Shootings?
Wenn ich mehrere, unterschiedliche Bildarten fotografieren soll, beginne ich bewusst nicht mit Portraits. Zuerst kommt Raum, Licht, Bewegung und Klarheit. Portraits entstehen am Ende, wenn Tempo und Atem stimmen.
Zuerst kommt das Testlicht & Raumlinien, Kontextmotive und Arbeitsflächen. Danach Details und Materialien und zuletzt die Portraits. Ein Portrait ist für mich kein erster Schritt. Es ist das Ergebnis eines geordneten Prozesses.
Wie führst du jemanden vor der Kamera?
Ich führe knapp, konkret und ohne Übersteuerung – eher über Struktur als über Worte.
Das sind kleine Achsenkorrekturen, ruhige Blickpunkte, genaue Pausen, klare Wiederholungen,
minimalistische Gesten.
Es geht nicht darum, jemanden „zu verändern“, sondern darum, Bilder möglich zu machen.
Wie wählst du die finalen Bilder aus?
Ein gutes Set entsteht nicht aus Masse, sondern aus Entscheidungen.
Meine Kriterien dafür sind:
- technische Präzision
- konsistente Licht- und Raumwirkung
- wiederkehrende Farben und Flächen
- sinnvolle Streuung für Website, Print, Header
Lieber weniger, dafür klare Bilder.
Wie bearbeitest du die Fotos?
Ich schaue mir die Tonwerte und Farben an. Meine Retusche ist unaufgeregt und reduziert.
Keine Looks, keine Effekte, nichts, was schnell altert.
Eine Bearbeitung, die nicht sichtbar ist, verlängert die Lebensdauer eines Bildes.
Was ist für dich ein gutes Bild – in einem Satz?
Ein gutes Bild zeigt eine klare Entscheidung und verzichtet auf den Rest.
Wie entsteht Präsenz?
Aus Aufmerksamkeit, Raum und Atem. Ich nehme Tempo aus der Situation, reduziere Optionen, lasse Pausen zu. Präsenz ist weniger Pose als Zustand: ein Moment, in dem nichts zusätzlich „gemacht“ werden muss.
Inszenierst du?
Die Frage ist nicht ob, sondern wie?
Alles ist inszeniert.
Jede Fotografie ist eine Setzung: Raum, Position, Licht, Ordnung.
Es gibt zwei Arten von Inszenierung:
1. Inszenierung als Effekt
: Gesten, Symbolik, Rollen, Deko, Szenen.
Damit arbeite ich nicht.
2. Inszenierung als Präzision:
Flächen, Lichtachsen, Linien, Abstände, Entscheidungen.
Eine Inszenierung, die reduziert – nicht überdeckt. Das ist die Art, die ich liebe und nutze.
Mit welchen Kunden arbeitest du nicht?
Mit Menschen, die Bilder als Bühne für Rollen verstehen. Mit Marken, die alles erzählen wollen. Mit Konzepten, die mehr Energie in Sichtbarkeit als in Substanz legen.
Ich arbeite mit Kunden, die Klarheit wollen – nicht Performance.
Die Frage, die fast alle stellen: „Ich bin unfotogen – was nun?“
„Unfotogen“ ist kein Zustand einer Person.
Es ist das Ergebnis eines Rahmens, der nicht funktioniert, weil er falsch gesetzt wurde.
Meine Aufgabe als Fotografin ist es, die richtige Achse zu finden,
Licht so zu setzen, dass das Gesicht lesbar bleibt, störende Elemente zu reduzieren, Haltung zu führen, ohne etwas aufzusetzen, den Moment zu ordnen
und Ruhe herzustellen.
Der verbreitete Irrglaube, man müsse vor der Kamera etwas leisten, ist eine der größten Hindernisse überhaupt. Leistungsdruck verschließt. Aufmerksamkeit öffnet. Niemand muss „locker“ sein, „natürlich“ wirken, oder irgendwas „zeigen“. Ich übernehme den Rahmen. Das reicht.
Warum kostet Markenfotografie bei dir so viel – obwohl sie schlicht wirkt?
Schlicht heißt nicht simpel.
Schlicht heißt: alles Überflüssige entfernen – bis die Bilder tragen.
Dafür braucht es:
- Vorbereitung, die Entscheidungen bündelt
- Raumrecherche, die Bildwelten möglich macht
- Licht, das Marken definiert
- Sequenzen, die Ruhe erzeugen
- Führung, die orientiert
- Auswahl, die eine Marke strukturiert
- Bearbeitung, die nicht altert
- Formate, die überall funktionieren
Die Bilder sind „einfach“ – der Prozess komplex.
Was ist der Unterschied zwischen „sympathisch“ und „professionell“?
Sympathisch ist Verhalten, professionell ist Haltung. Sympathie blitzt, Professionalität bleibt. Mein Ziel mit den Bildern ist Vertrauen, nicht Gefallen.
Was war dein prägendster Bildmoment der letzten Jahre?
Ein grafischer Schatten, eine schlichte Wand, ein Schritt zur Seite. Das Licht kippte um eine Stufe, die Schulter senkte sich, die Linie stimmte. Es sind keine großen Ereignisse — eher eine graduelle Verschiebung, die alles ordnete.
Wie sollen Kunden sich fühlen, wenn sie mit dir arbeiten?
Entlastet und klar.
Im Prozess: geführt und frei zugleich.
Im Ergebnis: wiedererkennbar — ohne Maske, ohne Lärm.